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Reproduire la couleur de la peau facilement à l’aquarelle | Easy Colour mixing : skin tones with watercolour

J’aime beaucoup peindre les portraits à l’aquarelle. Je trouve qu’il y a pratiquement quelque chose de magique dans le processus et dans le fait de voir apparaître un visage sur un morceau de papier.  Aussi, en scrutant le faciès d’une personne en détail, on découvre toutes sortes de petites particularités qu’on n’avait pas remarquées au premier abord et qui rendent cette personne d’autant plus unique, spéciale et belle. I love to paint portraits with watercolour. It’s almost like magic to see a face appearing on a piece of paper. Moreover, when I observe someone’s face, I often discover some particularities that I didn’t noticed before. These new details often make this person even more unique, special and beautiful. 

Bien entendu, la réussite d’un portrait nécessite avant tout de bonnes habiletés en dessin. Mais une fois les traits placés, quelles couleurs doit-on choisir pour reproduire toute la richesse des tonalités de la peau? Of course, it’s necessary to have some good drawing skills to create nice portraits. But when the sketch is done, which colours do we choose to create accurate skin tones?

J’ai envie de faire un petit exercice avec vous : prenez le temps de regarder la paume et le dos de votre main. Observez la panoplie de couleurs qui s’y trouvent. Quand je regarde ma main, je vois que le rose, le beige et le brun sont certes prédominants, mais je perçois aussi des teintes de bleus, de gris, de verts, de mauves et de jaunes à cause de tous les vaisseaux sanguins et les différentes structures qu’il y a sous ma peau, mais aussi à cause des ombres et des lumières. Cette richesse de différentes teintes est intéressante à considérer pour insuffler de la «vie» à un portrait! I want to do a little exercise with you : please look carefully at your hand. Observe closely the scope of colours on the palm and the back of your hand. When I look at my hand, I mostly see pink, beige and brown. But when I observe closely, I also see some shades of blue, grey, green, purple and yellow because of all the structures that are hidden under my skin and also because of the lights and the shadows on my hand. It’s interesting to paint all these shades to bring your painting «to life».  

Voici quelques petits trucs simples et rapides pour créer votre «base de couleur peau».  Avec 3 couleurs très communes en aquarelle, j’ai pu réaliser facilement et très rapidement ces 16 tons de peau. J’ai utilisé le Terre d’Ombre Brûlée, le Rose Permanent et le Jaune Cadmium. I have some easy quick tips to create a good base for skin tones. With only 3 quite common watercolour paints, I created 16 different skin tones. I used Burnt Umber, Permanent rose and Cadmium Yellow.

Pourquoi ces couleurs? D’abord, j’ai choisi le Terre d’Ombre Brûlée parce que je considère que les couleurs «terre» sont une absolue nécessité pour peindre la peau! C’est souvent avec une couleur «terre» que j’amorce mon mélange de couleur peau. D’ailleurs, peu importe l’origine ethnique de la personne dont vous faites le portrait, le brun vous sera utile! Pour les peaux caucasiennes,  j’éclaircie le brun avec beaucoup d’eau et pour les peaux foncées, j’ajoute tout simplement moins d’eau à mon mélange! Facile de même! Par la suite, j’aime bien ajouter du rose au mélange pour rendre le brun plus vivant! Selon la carnation de la peau de la personne dont je fais le portrait, je vais ajuster la quantité de rose que j’ajoute au mélange. Je fais toujours plusieurs tests sur des retailles de papier pour m’assurer que je me dirige dans la bonne direction avec mon mélange de couleurs. J’ajoute souvent du jaune à la fin quand je veux atteindre des tons plus beiges. Je peux aussi ajouter une petite touche de bleu, de vert ou de mauve. Why these colours? First of all, I choose Burnt Umber because I think that earth tones are absolutely necessary to paint skin! Most of the time, I begin my skin colour mixes with earth tones. No matter the ethnicity of the person you want to paint, brown colours are always useful to paint skin. For pale skins, I add a lot of water in the brown mix and for darker skin tones, I add less water. Pretty easy, isn’t it? After that, I like to add some pink in the brown mix to make the colour more vivid. I always test the colour mix on a scrap of watercolour paper just to be sure that I’m going in the good direction. Finally, I often add a little bit of yellow when I want a beige colour. Sometimes I also add some blue, green or purple shades.

 Dans les exemples que je vous montre dans cet article, j’ai seulement utilisé le Terre d’Ombre Brûlée, le Rose Permanent et le Jaune Cadmium et j’ai pu créer 16 tons différents en quelques minutes. Et j’aurais pu en créer plusieurs autres! C’est dire à quel point on peut arriver à créer une grande déclinaison de tons de peaux, simplement en jouant avec la quantité de couleurs et la quantité d’eau qu’on met dans notre mélange de peinture aquarelle! In the colour exemples that I showed you in this post, I only used Burnt Umber, Permanent rose and Cadmium Yellow and I made 16 different skin tones in minutes! And I could have done a lot more!  We can make a lot of different skin tones just by changing the quantity of each colours and the quantity of water that we add to the  watercolour mix.

J’espère que cet article vous aura été utile! Je vous souhaite une bonne journée et beaucoup de succès avec vos portraits! I hope this post will be useful for you! I wish you a good day and a lot of success with your next portraits!

Mélanges de couleurs : la liste des pigments | Color mixing : the list of pigments

J’aime beaucoup parler des mélanges de couleurs sur mon blogue, car ça me semble être un sujet quasi inépuisable en aquarelle! Même si je pratique l’aquarelle depuis que j’ai 12 ans, je demeure encore fascinée par la richesse, la finesse et la complexité des couleurs que l’on peut créer avec elle. I love talking about colour blending on my blog, because it’s almost an inexhaustible subject with watercolours! Although I paint with watercolours since I am 12 years old, I still remain fascinated by the richness and complexity of the colours that can be created with this painting medium.

Esquisse #9 pour mon projet Expérimentations en Rouge | Sketch #9 for my project Experiments in Red

Lorsque je donne des cours et des ateliers, j’encourage toujours les apprenants à s’exercer à créer leurs mélanges de couleurs à partir d’une palette limitée d’une dizaine de coloris avant de céder à la tentation d’acheter une panoplie de tubes. Premièrement, parce que c’est beaucoup plus économique ainsi, et deuxièmement, parce que la connaissance des mélanges de couleurs est une aptitude essentielle à développer selon moi. L’individu qui maitrise bien les mélanges de couleurs ne sera jamais limité par celles-ci, et je trouve que ça donne beaucoup de liberté en peinture! When I give watercolour classes and workshops, I always tell to people to practice colour mixing with a limited palette of approximately ten colours before yielding to the temptation to buy large quantity of colours. Because watercolour paints can be expensive, and also, because the knowledge of colour mixing is an essential skill to develop in my opinion. People that masters colour mixes will never be limited by them, and it gives a lot of freedom in painting!

Mais comment résister à tous les coloris plus jolis les uns que les autres que nous offrent les fabricants de peinture?  L’un de mes trucs pour résister à cette tentation est de vérifier la composition des pigments des couleurs qui m’intéressent et de voir si je peux reproduire cette teinte avec les couleurs que je possède déjà. La liste des pigments qui composent une couleur est habituellement facile à trouver à l’endos de l’emballage des tubes. Je vous parle de tubes, car c’est ce que j’achète habituellement, mais vous pouvez aussi retrouver cette information sur les godets et sur plusieurs autres types d’emballages. But how to resist all those beautiful colours in art supplies shops? One of my tips is to check the pigments of the colours that interest me and see if I can reproduce this colour with the pigments that I already have at home. The list of pigments that compose a colour is usually easy to find on the back of the tube packaging. I'm talking about paint tubes, because that's what I buy, but you can also find these informations on many other types of packaging.

 En retournant le tube, vous verrez dans la plupart des cas 2 types d’informations : le «vehicle» (liant en français) et les pigments. C’est là que sont indiqués les pigments qui composent la couleur. Les pigments seront parfois décrits avec des mots, parfois avec des mots et des chiffres, et parfois avec des lettres et des chiffres. On the back side of the tube, you will see in most cases 2 types of information: vehicle and pigments. The pigments will sometimes be described with words, sometimes with words and numbers, and sometimes with letters and numbers.

Lorsque la couleur qui m’intéresse est composée d’un seul pigment, comme dans le cas de ce «rouge de pyrrole», je sais qu’il sera sans doute ardu, voire quasi impossible, de reproduire cette même teinte en mélangeant d’autres couleurs. À ce moment, si c’est une couleur qui me plait beaucoup et qui me sera utile dans mes créations, j’ai davantage tendance à vouloir l’acheter. La plupart de mes tubes d’aquarelle sont d’ailleurs composés d’un seul pigment. When the colour I want contains just one pigment, like this "Pyrrol Red", I know that it will be difficult, even almost impossible, to reproduce this same shade by mixing other colours. At this point, if it's a colour that I like a lot and I know it will be useful for my creations, I'm more likely to buy it. Most of my watercolour tubes are made of a single pigment.

 Lorsque la couleur qui m’intéresse est composée de 2 pigments, comme c’est le cas pour ce Jaune Indien, je vérifie si je possède déjà ces pigments ou si j’en ai d’autres qui pourraient s’en rapprocher. Si c’est le cas, je ne l’achète pas et je prends en note les 2 pigments pour pouvoir reproduire le mélange plus tard. À l’inverse, si je ne possède pas les 2 pigments de base, et que je suis plutôt certaine que j’utiliserai souvent la couleur  qui en découle (comme ce fut le cas pour ce Jaune Indien), il y a de grandes chances que j’achète le tube. Ce Jaune Indien, c’est le seul tube de 2 pigments que je me suis sciemment procuré, car dans tous les autres cas, j’en suis venue à la conclusion que je pouvais facilement recréer la couleur désirée à partir de celles que j’avais déjà à la maison. When the colour I want is made of 2 pigments, like this Indian Yellow, I check if I already have these pigments at home or if I have others that could get closer to it. If so, I don’t buy it and I note the 2 pigments to be able to reproduce this shade later. On the other hand, if I don’t have the 2 basic pigments, and I'm pretty sure that I will often use the colour (as it was the case for this Indian Yellow), there is big chances I buy the paint tube. This Indian Yellow is the only colour made of 2 pigments that I bought lastly, because in all the other cases, I came to the conclusion that I could easily recreate the colour from those I already had at home.

Lorsqu’il y a 3 pigments (ou plus!) qui composent la couleur qui m’intéresse, je me pose les mêmes questions que dans les cas où il n’y en a que 2, mais je prends également en considération la fréquence à laquelle je compte utiliser ce mélange de couleurs. Par exemple, pour peindre les ombres, j’aime beaucoup utiliser des teintes violacées. Ce Violet d’Ombre, composé des pigments Orange de Pyrrole (que je ne possède pas), Bleu Outremer (que je possède) et Vert Émeraude (que je possède), m’est très utile, car je l’utilise souvent. Avoir entre les mains un mélange déjà tout fait me simplifie la tâche, c’est pourquoi je me le suis procuré, même si je pourrais très certainement reproduire une couleur très similaire avec les tubes que je détiens déjà. When the colour I want has 3 pigments or more, I check the same things I do for colours made of 2 pigments, but I also take into consideration the frequency at which I intend to use this colour mix. For example, to paint shadows, I like to use dark purple hues. This Shadow Violet, composed of Pyrrole Orange (which I don’t have), Ultramarine Blue (which I own) and Emerald Green (which I own), is very useful for me, because I use it often. To have this mix always ready simplifies my tasks, that's why I bought it, although I could certainly reproduce a very similar colour with the paint tubes that I already have.

Pour conclure, mon truc pourrait se résumer ainsi : si la couleur que vous désirez acheter est composée de 2 ou 3 couleurs que vous avez déjà à la maison, privilégiez plutôt de faire votre mélange vous-mêmes, sauf s’il s’agit d’une couleur complexe à recréer et que vous l’utilisez très souvent! Je vous encourage aussi à visiter les sites Web des fabricants pour connaitre la recette des couleurs et à vous amuser à recréer vous-mêmes leurs mélanges avec vos propres tubes, vous apprendrez beaucoup! In conclusion, my tip could be summarized like this: if the colour you want to buy is composed of 2 or 3 pigments that you already have at home, instead choose to make your mix yourself, except if it’s a complex colour to mix and if you use it very often! I also suggest to visit the websites of watercolour manufacturers to know their colours recipes, and with these informations, make your own colour mixes with your own paint tubes, you will learn a lot!

 En espérant que mes conseils vous ont permis d’en apprendre davantage sur l’aquarelle, mais aussi d’économiser quelques sous! I hope my tips have helped you to learn new things about watercolour, and to save some money!

Bonne journée! Have a good day!

 

 

Mélanges de couleurs à l’aquarelle : faire soi-même de beaux mélanges de verts (partie 2) | Mixing colours with watercolour: make beautiful mixes of green (part 2)

Comme promis dans mon précédent article, aujourd’hui je vous montrerai à produire différentes teintes de vert, sans tube de peinture verte. C’est parti! As promised in my previous article, today I’ll show you how to produce different shades of green without a green paint tube. Let's go!

À mes yeux, la combinaison du jaune cadmium et du bleu céruléen crée l’une des plus jolies et des plus lumineuses teinte de vert! For me, the combination of cadmium yellow and cerulean blue creates one of the prettiest and brightest hue of green! 

Pour obtenir un vert très doux, qui me fait penser à la couleur d’un petit caillou sur le bord de la mer (Oui, vous avez le droit de me juger pour mes analogies douteuses!), j’aime bien le mélange constitué du jaune ocre et du bleu céruléen. To get a very soft green, which makes me think of the colour of small pebbles on the seashore (Yes, you can judge me for my dubious analogies!), I like to mix yellow ochre with cerulean blue.

Enfin, je voulais vous démontrer que tout dépendant de la quantité de chaque couleur que l’on met dans un mélange, la teinte qui en découle peut grandement varier. Voyez par exemple ces deux mélanges formées à partir des 2 mêmes couleurs : le jaune cadmium et le bleu outremer. Finally, I wanted to show you that depending on the amount of each colour that you add in the mix, the resulting hue will vary greatly. See for example the next two mixes made from the same 2 colors: cadmium yellow and ultramarine blue.

Pour obtenir ce vert, j’ai intégré beaucoup plus de jaune que de bleu dans le mélange. Cela a produit un vert très chaud. To get this green, I incorporated a lot more yellow than blue in the mix. This has produced a very warm green. 

À l’inverse, pour obtenir le vert ci-dessus, j’ai ajouté plus de bleu outremer. Ainsi, même si j’ai utilisé les mêmes couleurs que pour le mélange précédent (jaune cadmium + bleu outremer), la teinte de vert qui en résulte est beaucoup plus sombre et froide, tirant sur le vert olive. On the contrary, to get the green above, I added more ultramarine blue. So, even though I used the same colours as in the previous mix (cadmium yellow + ultramarine blue), the resulting shade of green is much darker and colder, like an olive green.

J’espère que mes derniers articles sur les mélanges de couleur vous auront donné envie de créer à votre tour vos propres mélanges. Expérimenter et s’amuser à mélanger les couleurs, c’est vraiment le meilleur moyen pour apprendre à les connaître. Je favorise cette approche beaucoup plus que l’apprentissage par cœur. Faites-moi confiance et tester vos couleurs entres elles, vous ne le regretterai pas ! I hope that my latest articles on colour mixing have made you want to create your own blends. Experimenting and having fun mixing colours is really the best way to learn them. I recommend this approach much more than rote learning. Trust me and test your colours by mixing them together, you will not regret it!

Mélanges de couleurs à l’aquarelle : faire soi-même de beaux mélanges de vert (partie 1) | Mixing colours with watercolour paint: make beautiful mixes of green (part 1)

Après 1 mois à ne pas alimenter mon blogue de nouveaux articles, je vous reviens aujourd’hui avec ma série sur les mélanges de couleurs à l’aquarelle.  Comme je l’ai annoncé dans le titre, il sera question de teintes de vert aujourd’hui! After 1 month not feeding my blog with new articles, I come back today with my series about watercolour mixing. As you cain see in the title, I’ll talk about shades of green today!

D’entrée de jeu, je dois vous avouer que même si le vert est une couleur que j’apprécie et utilise beaucoup en peinture, je n’aime pas du tout la plupart des tons de vert que l’on retrouve dans les tubes de peinture vendus en magasin. En effet, je suis très très très difficile en ce qui concerne cette couleur. C’est pourquoi j’ai naturellement tendance à ne jamais utiliser la couleur pure des tubes de peinture que je possède. Je dois même dire que le vert guignet (vert émeraude) est la couleur  que j’aime le moins à son état pur parmi toutes les couleurs que je possède… mais je le trouve très pratique pour créer d’autres teintes de vert qui me plaise. Dans cet article je vais vous montrer 6 mélanges de couleurs impliquant le vert guignet et d’autres couleurs que l’on retrouve généralement dans les ensembles de base. First of all, I must admit that although green is a colour that I like and use a lot in my paintings, I don’t like most of the shades of green we can bought in stores. Indeed, I am very very very picky with this colour. That's why I naturally tend to never use the pure colour of the paint tubes I own. I must even say that viridian hue (emerald green) is the colour that I like least among all the colours that I have ... but this colour blends beautifully with other colours to create other shades of green that I like ! In this article I’ll show you 6 colour mixes that I make with viridian hue and other colours that are commonly found in watercolour sets.

 L’un de mes verts de prédilection est formé par la combinaison du jaune ocre et du vert guignet. Je trouve que ce vert est très versatile pour représenter les éléments de la nature. One of my favorite greens is obtain by the combination of yellow ochre and viridian hue. I find that this green is very versatile to paint the elements of nature.

J’aime aussi beaucoup le mélange formé du vert guignet et de la couleur terre de sienne brûlée. Évidemment, tout dépendant de la quantité de chaque couleur que vous combinez, cela changera la teinte du mélange. I also like to mix viridian hue with burnt sienna. Obviously, depending on the amount of each colour you combine, it will change the hue of the blend.

Pour poursuivre avec le mélange de vert et de brun, je trouve que la combinaison du vert guignet et du terre d’ombre brûlée donne un joli vert froid et sombre. To continue with the mixing of green and brown, I find that the combination of viridian hue and burnt umber gives a nice cool and dark green.

Lorsque je veux obtenir un vert très lumineux, pratiquement fluo, mélanger du jaune cadmium au vert guignet c’est parfait ! When I want to get a very bright green, almost fluo, mixing cadmium yellow and viridian hue is perfect!

 Pour obtenir un joli turquoise, le bleu outremer se marie vraiment bien au vert guignet. To get a nice turquoise, ultramarine blue goes really well with viridian hue.

Enfin, la combinaison du bleu céruléen et du vert guignet nous apportera des teintes tirant plutôt vers le aqua. Finally, the combination of cerulean blue and viridian hue makes nice shades of aqua colour. 

Voilà qui conclut les mélanges de vert que je souhaitais vous montrer aujourd’hui ! Je vous encourage à expérimenter de votre côté et à créer vos propres mélanges. Il peut être intéressant de tester le vert guignet en combinaison avec toutes les autres couleurs de votre palette afin de mieux apprivoiser cette couleur et découvrir les nombreuses déclinaisons  de teintes qu’il est possible d’obtenir avec elle. This is all the mixes of green that I wanted to show you today! I encourage you to experiment on your own and to create your own mixes. It is interesting to test the viridian hue in combination with all the other colours of your palette to better know this colour and discover the many variations of hues that can be obtained with it.

Et vous, que pensez-vous du vert guignet ? L’aimez-vous sous sa forme pure ou tout comme moi, la préférez-vous mélangée à d’autres couleurs ? And you, what do you think of viridian hue? Do you like this colour in its original form or just like me, do you prefer it mixed with other colours?

Dans le prochain article, je vous proposerai d’autres mélanges afin d’obtenir du vert…. Mais sans tube de peinture verte! À bientôt! In the next article, I will suggest other mixes to get green .... But without a green paint tube! See you soon!

Comment faire du gris à l’aquarelle? 4 de mes mélanges préférés pour obtenir de beaux gris colorés | How to mix beautiful grays with watercolor? 4 of my favorite mixes

Ah! Les fameux mélanges de couleurs! J’enseigne l’aquarelle depuis 2017 et s’il y a bien un sujet sur lequel se questionnent régulièrement les participants à mes cours et ateliers, c’est bien les mélanges de couleurs ! À cet effet, je conseille souvent aux apprenants de peindre un nuancier de couleurs. Les nuanciers nous permettent de visualiser comment les couleurs se transforment en se mélangeant les unes aux autres et cela nous permet de mieux connaitre les différentes possibilités que nous offre notre palette de peinture. Avec la pratique, il n’est plus nécessaire de créer des nuanciers pour connaitre les possibilités que nous offre une palette de peinture, mais lorsqu’on débute avec l’aquarelle, ils constituent de superbes outils de référence. Voici un exemple de nuancier qui a été réalisé à partir de la couleur Bleu Céruléen (couleur située à gauche du nuancier). Ah! Mixing of colors! I teach watercolor since 2017 and color mixing is a subject on which people ask several questions! I often advise learners to paint a color chart. The color charts allow us to visualize how the colors are transformed by mixing with each other and this allows us to know the possibilities offered by our paint set. When you start with watercolor, color charts are great reference tools. Here is an example of a color chart that has been made from Cerulean Blue (the blue color on left).

Mais même en produisant un nuancier, il peut parfois être difficile de savoir quelles couleurs combiner pour obtenir la couleur particulière à laquelle on pense dans notre tête. C’est pourquoi j’ai décidé de faire une série d’articles de blogue qui porteront sur les mélanges de couleurs complexes. Dans celui-ci je vous montrerai quelles couleurs je mélange régulièrement pour obtenir de beaux gris complexes et colorés ! But even when producing a color chart, it can sometimes be difficult to know which colors to mix to get the particular color that we want. That's why I thought I would make a series of blog posts that will focus on complex color blends with watercolor. In this post, I will show you which colors I like to mix to obtain beautiful and complex grays!

 Le gris peut sembler une couleur bien fade et triste pour certains. Mais selon les couleurs que l’on choisit de mélanger pour créer du gris, on peut parvenir à le réchauffer, le refroidir et lui faire gagner en richesse et profondeur afin qu’il devienne une magnifique couleur. Gray may seem like a bland and sad color for some people. But depending on the colors you choose to mix gray, you can warm it up, or cool it, and even increase its richness and depth so it becomes a true beautiful color.

Voici mon mélange préféré pour obtenir un superbe gris froid ! Avouez qu’il est beau, non ? J’adore cette teinte bleutée de gris profond, je m’en sers très souvent dans la conception de mes illustrations. Pour obtenir ce gris, je mélange les couleurs bleu outremer et brun terre d’ombre brûlée. Here is my favorite mix to get a gorgeous cold gray! Isn’t it beautiful? I love this bluish shade of deep gray, I use it very often in my illustrations. To get this gray, I mix the colors ultramarine and burnt umber.

Si, au contraire, je recherche un gris qui conviendra à une ambiance chaleureuse, je mélange plutôt le bleu outremer avec du brun terre de Sienne brûlée. Selon la quantité de brun et de bleu que vous ajouterez à votre mélange, vous verrez que cela conduira à une vaste variété de coloris! If, on the contrary, I look for a gray that will suit a warm atmosphere, I mix ultramarine blue with burnt sienna brown. Depending on the amount of brown and blue you add to the mix, you will see that it will lead to a wide variety of colors!

J’aime aussi mélanger le bleu outremer au jaune ocre pour créer des gris que je considère plus neutres, comme dans cet exemple juste au-dessus. I also like mixing ultramarine blue with yellow ochre to create grays that I consider more neutral, as in this example just above.

 Enfin, pour obtenir un gris qui tire légèrement vers le vert, j’aime bien mélanger le bleu céruléen au brun terre d’ombre brûlée. Finally, to get a greenish tint of gray, I like to mix cerulean blue with burnt umber brown.

 J’espère que cet article vous aura aidé à démystifier les gris colorés à l’aquarelle ! Et vous, quels sont vos mélanges préférés pour produire du gris ?  I hope this post will help you to mix beautiful grays with watercolor! What are your favorite blends to mix gray?

 

 

Truc de la semaine : comment je choisis mes papiers aquarelle | Tip of the week : how I choose my watercolor papers

S’il y a un élément sur lequel je ne fais aucune concession en peinture, c’est bien la qualité de mon papier aquarelle. En effet, je peux très bien m’en sortir avec des pinceaux et de la peinture de basse qualité, mais pour le papier… Je perds rapidement patience et tout plaisir avec un papier qui bouloche et qui se tache trop rapidement! If there’s one element on which I make no concessions in painting, it’s the quality of my watercolor paper. Indeed, I can create very nice paintings with brushes and paint of low quality, but for paper ... I quickly lose any patience and all fun with a paper that pills and stains too quickly!

Dans les cours et les ateliers que j’offre, on me demande souvent comment je choisis mes papiers aquarelle et quels sont mes préférés. Je ressens toujours un petit malaise à dévoiler mes marques de papiers préférées, car selon moi, ces préférences sont très personnelles et aussi TRÈS variables selon l’artiste à qui l’on pose la question. Par exemple, il existe une marque de papier aquarelle très populaire auprès de plusieurs artistes professionnels, mais qui ne fonctionne pas du tout avec mon style de peinture. Je n’arrive tout simplement pas au résultat que je désire avec ce papier. Donc, vous pouvez bien vous douter que je n’aime pas du tout ce papier! À l’inverse, il est aussi possible que mon papier favori ne convienne pas au travail d’autres artistes. In the classes and workshops I give, people often ask me how I choose my watercolor papers and which are my favorites. I always feel a little uneasy to reveal my favorite paper brands, because in my opinion, these preferences are very personal and also VERY variable according to the artist who will reply to the question. For example, there’s a popular brand of watercolor paper that many professional artists are in love with, but this paper just doesn’t fit at all with my painting style. I can’t achieve the result I want with this paper. So, you may guess that I don’t like this paper at all! On the contrary, it’s also possible that my favorite paper doesn’t suit the work of other artists.

Comme j’ai une très longue histoire d’amour avec l’aquarelle (plus de 20 ans!), j’ai eu la chance de tester plusieurs papiers différents au cours des dernières années. J’ai même testé des papiers que l’on ne retrouve pas au pays, comme ce fameux papier de marque «Viking» dont j’ai fait l’acquisition lors de mon dernier voyage au Danemark. As I have a long love story with watercolor (over 20 years!), I had the chance to test several papers over the past years. I even tested papers that are not available in my country, like the "Viking" brand paper I bought during my last trip to Denmark.

 De plus, comme je suis végane, je porte aussi une grande attention à la composition du papier aquarelle que j’achète. En effet, certains papiers contiennent des composantes animales, comme la gélatine. C’est d’ailleurs pourquoi je n’achète plus le papier Arches, même si selon moi (et selon la majorité des aquarellistes!) c’est un excellent papier! Moreover, as I am vegan, I also pay great attention to the composition of the watercolor paper that I buy. Indeed, some papers contain animal components, such as gelatin. This is why I no longer buy Arches paper, although in my opinion (and according to the majority of watercolorists!) it’s an excellent paper!

 Ce que je peux vous dire sans aucun malaise, c’est que j’utilise généralement un papier d’une épaisseur d’au moins 300g afin de réduire le gondolement le plus possible et que j’évite les papiers d’entrée de gamme qui boulochent souvent facilement. J’aime aussi m’amuser avec les textures des papiers. D’une marque à l’autre, vous pourrez constater que la texture du papier peut être plus ou moins prononcée. Je m’assure de toujours avoir en ma possession des papiers «cold press» et «hot press», car ils me permettent d’obtenir des effets différents. Le papier «hot press» est lisse et plat tandis que le papier «cold press» a une légère texture. J’aime avoir ces 2 types de papier à portée de main, car selon le sujet que je dois illustrer, la texture du papier peut m’aider ou me nuire pour obtenir l’effet que je désire créer. Pour illustrer mes exemples, je vais me servir de ces 3 chaises au design danois que je vous ai montrées plus haut. What I can tell you without any discomfort is that I usually use a paper with a thickness of at least 300g to reduce the waves as much as possible and I avoid the entry-level papers that often pill easily. I also like to have fun with the textures of the papers. From one brand to another, you will see that the texture of the papers can be more or less pronounced. I always make sure that I have "cold press" and "hot press" papers, because they allow me to obtain different effects. The hot press paper is smooth and flat while the cold press paper has a slight texture. I like having these 2 types of paper handy, because depending on the subject I have to illustrate, the texture of the paper can help or hinder me to get the effect I want to create. To illustrate my examples, I'm going to use these 3 chairs with Danish designs that I showed you above.

 Pour peindre la chaise orange, j’ai utilisé un papier «hot press», le papier lisse. Cette chaise est faite d’un plastique très lisse et brillant, le papier «hot press» était donc parfait pour reproduire cet effet. Le papier texturé «cold press», quant à lui, ne m’aurait pas permis de me rapprocher autant de cet effet lisse, car sa texture aurait trop interféré. J’ai aussi utilisé un papier «hot press» pour l’illustration de la chaise de couleur gris-vert, mais je crois que j’aurais très bien pu réaliser celle-ci avec un papier légèrement texturé aussi. To paint the orange chair, I used a hot press paper, a smooth paper. This chair is made of a very smooth and shiny plastic, so the hot press paper was perfect to reproduce this effect. The cold press paper, meanwhile, would not have allowed me to get as close to this smooth effect, because its texture would have interfered too much. I also used a hot press paper for the grayish green chair, but I think I could have done it with a slightly textured paper too.

 Dans le cas de la chaise rose, j’ai préféré utiliser mon papier «cold press», car la texture de ce papier me permettait d’obtenir un effet intéressant pour le textile de la chaise et aussi m’aider à reproduire l’effet du bois, qui est très texturé. In the case of the pink chair, I preferred to use my cold press paper because its texture allowed me to obtain an interesting effect for the fabric and also helped me reproduce the wood effect, which is very textured.

Bref, afin de déterminer si je pencherai pour un papier «hot press» ou «cold press»,  je réfléchis à la texture du sujet que je souhaite représenter et j’opte pour le papier qui me permettra d’obtenir cet effet le plus facilement. Par exemple, si je souhaite faire une illustration de muffin, j’opterai sûrement pour un papier légèrement texturé. À l’inverse, si je souhaite illustrer une pomme, ce sera sans doute le papier lisse qui aura ma préférence. Encore là, je veux rappeler que tous ces choix découlent de préférences personnelles! Il n’y aurait aucun mal à peindre une pomme sur un papier aquarelle texturé et on pourrait obtenir de superbes effets avec ce type de papier! Long story short, to determine if I will use a hot press or a cold press paper, I think about the texture of the subject that I want to represent and I opt for the paper that will allow me to obtain this effect more easily. Another example : if I want to paint a muffin illustration, I will probably opt for a slightly textured paper. On the contrary, if I want to paint an apple, it will probably be the smooth paper that will be my preference. Again, I want to remind you that all these choices come from my personal preferences! There would be no harm in painting an apple on a textured watercolor paper and I could get great effects with this type of paper too!

Et vous, quels sont vos papiers préférés et comment les choisissez-vous? Êtes-vous aussi pointilleux que moi dans vos choix? What are your favorite papers and how do you choose them? Are you as picky as me in your choices?

 Bonne journée! Have a good day!

Truc de la semaine : tester les couleurs | Tip of the week : testing colors

Bonjour! Voilà un bon moment que je n’ai pas actualisé mon blogue!  J’ai eu un automne très très TRÈS chargé! J’ai repris les études à temps plein pour faire un programme en lancement d’entreprise et rédiger un plan d’affaires pour mon entreprise d’illustration et d’ateliers/cours artistiques… tout en continuant justement à donner des cours, à faire quelques petits contrats d’illustration et à m’occuper de ma boutique de produits dérivés de mes illustrations! Ouf! Mais voilà, j’ai complété ma formation en lancement d’entreprise avec succès et je suis très heureuse de voir que mon projet semble tout à fait viable et qu’il a été fort bien reçu par le comité de spécialistes en lancement d’entreprises à qui je l’ai présenté! J’ai maintenant du temps pour recommencer à peindre sur une base régulière, une activité qui m’a ÉNORMÉMENT manqué cet automne! Hourra!!! Et j’ai aussi du temps pour recommencer à publier du contenu sur mon blogue! Hello! It's been a while since I've updated my blog! I had a very very busy autumn! I went back to school full-time to do a short entrepreneurship program and write a business plan for my illustration business, while continuing to teach artistic classes and workshops, doing some small illustration contracts and taking care of my shop! Phew! But here I am, I have completed the entrepreneurship program with success and I am very happy to see that my project seems quite viable and has been very well received by the committee of entrepreneurship specialists to whom I presented it! I now have time to paint again on a regular basis, an activity that I missed sooooo much this fall! Hurray!!! And I have time to start releasing content on my blog!

Dans cet article, je voulais recommencer à vous partager mes trucs avec la peinture aquarelle.  Aujourd’hui, je vous parlerai donc de la façon dont je teste mes mélanges de couleurs avant les appliquer sur mes illustrations. In this article, I wanted to start sharing some tips with watercolor painting again. Today I want to write about how I test my color mixes before applying them to my illustrations.

Portrait du pianiste Ludovico Einaudi en cours. Portrait of the pianist Ludovico Einaudi in progress.

Comme vous pouvez voir dans la photo ci-dessus, je teste mes couleurs sur des retailles de papier aquarelle. Pourquoi c’est pertinent de tester ses couleurs avant les appliquer sur notre peinture? Cela me permet entre autres de valider si j’ai réussi à faire les bons mélanges pour reproduire la couleur que j’ai imaginée dans ma tête. Car lorsqu’elle est humide, l’aquarelle n’a pas nécessairement la même teinte que lorsqu’elle est séchée. On peut donc parfois être surpris des tonalités qui apparaissent sur notre papier! Et comme il est plutôt ardu de corriger ses erreurs à l’aquarelle, il est préférable de tenter de les éviter autant que possible! As you can see in the picture above, I test my colors on watercolor paper scraps. Why is it relevant to test the colors before applying them on our painting? This allows me, among other things, to validate if I did the right mixes to reproduce the color that I planned in my head. When the paint is wet, watercolor doesn’t necessarily have the same hue as when it’s dried. Sometimes we can be surprised by the tones that appear on paper! And as it is rather difficult to correct mistakes with watercolor, it’s better to try to avoid them as much as possible!

Un autre avantage à tester les couleurs avant de les appliquer est d’en profiter pour planifier la palette avec laquelle on créera notre image. Ainsi, on peut valider si les couleurs qu’on compte utiliser s’harmonisent bien ensemble ou si au contraire, il est nécessaire que l’on modifie notre idée de départ pour choisir d’autres teintes. Another great point to test the colors before applying them to our painting is to validate the color palette with which we will create our image. Thus, we can see if the colors that we intend to use will merge well together or if on the contrary, we have to choose other colors.

Je dois vous avouer qu’après 20 ans d’expérimentations avec l’aquarelle, je ne teste pas très souvent mes couleurs, car lorsque je fais mes mélanges, j’ai une idée généralement assez exacte de la teinte qu’aura l’aquarelle une fois séchée. J’utilise toutefois encore ce truc avec les couleurs que je trouve plus complexes, comme lorsque je dois peindre la peau, qui contient plein de tonalités secondaires parfois surprenantes comme le vert, le violet et le bleu. I must admit that after 20 years of experimentations with watercolor, I don’t test colors very often. Indeed, I have a pretty good idea of the color the paint will have once dried. However, I still use this tip with more complex colors like skin colors, which contain lots of surprising secondary tones such as green, purple and blue.

Est-ce que cet article vous a plu? Si vous avez des suggestions de trucs que vous aimeriez que j’aborde dans les prochains billets, n’hésitez pas à m’en faire part en commentaire! Did you like this blog post? If you have any suggestions for the next posts, please write me a comment below!

Truc de la semaine : Mes outils préférés pour ajouter du blanc opaque sur mes aquarelles. | Tip of the week: My favorite tools to add opaque white to the top of my watercolor paintings.

Depuis les débuts de ce blog, j’essaie d’acquérir une certaine discipline pour écrire des articles sur une base régulière. Si vous me lisez depuis quelques temps, vous savez sûrement qu’en fait, j’ai beaucoup de difficultés à «poster» avec régularité! Plus souvent qu’autrement, je me creuse beaucoup trop la tête pour trouver des sujets à aborder… Par conséquent, ça me prend du temps et donc, je remets souvent l’écriture de mes articles à plus tard! La semaine passée, j’ai eu l’idée de transmettre un «truc de la semaine» sur ma page Facebook et ça semble avoir été apprécié par les gens qui l’ont vu. Ça m’a fait réaliser que ce «truc de la semaine», ça pourrait devenir un bon sujet de blog. Comme je parlerais des outils et des trucs de mon quotidien avec l’aquarelle et le dessin, ce serait simple pour moi d’aborder ces éléments dans un blog. Parfois mes trucs seront bien simples, parfois ils seront plus complexes, mais je pense qu’ils seront bien utiles aux personnes qui souhaitent en apprendre davantage sur l’aquarelle, la gouache, les feutres et les crayons. Donc voilà, voici le premier billet de cette série de trucs, qui portera sur mes outils préférés pour ajouter du blanc opaque sur mes aquarelles! Since the beginning of this blog, I try to acquire some discipline to write articles on a regular basis. If you follow me since a few time, you probably know that in fact, I have some struggles to post with regularity! Most of the time, it takes me a lot of time to find topics to tackle ... Therefore, I often postpone the writing of my articles for later! Last week, I had the idea to do a "tip of the week" post on my Facebook page, and it seems to have been appreciated by some people. It made me realize that this "tip of the week" post could become a great blog post. As I talk about the tools and tricks that are part of my daily life with painting and drawing, it would be simple for me to address these elements in a blog. Sometimes my tips will be very simple, sometimes they will be more complex, but I think they could be very useful to people who want to learn more about mediums such as watercolor, gouache, pens and pencils. So here it is, the first blog post in this series of tips, which will focus on my favorite tools to add opaque white to the top of my watercolor paintings!

L’aquarelle est un médium translucide, ce qui fait en sorte qu’on l’utilise habituellement par superpositions de couches, en commençant par des couches plus claires pour se diriger de plus en plus vers des couleurs plus foncées. Comme les couleurs plus foncées tendent généralement à être aussi plus opaques que les couleurs pâles, ce procédé fait en sorte de limiter le risque d’erreur. En effet, contrairement à la peinture à l’acrylique et la peinture à l’huile ou l’on peut superposer des couleurs claires par-dessus des teintes foncées sans difficultés, il en est tout autrement avec la peinture aquarelle… eh oui, parce qu’elle est translucide! Donc comment obtenir du blanc opaque dans une peinture aquarelle? L’option la plus populaire en aquarelle est de préserver le blanc du papier. Pour ce faire, il suffit d’éviter d’appliquer de l’eau sur les surfaces blanches que l’on veut préserver ou bien d’y appliquer de la gomme réserve, un liquide qui protègera notre papier en créant un masque une fois sec. Il existe aussi d’autres options que j’aime bien employer pour créer de fines touches de blanc opaque quand j’arrive aux étapes finales de mes peintures. Voici donc les deux produits que j’utilisent le plus fréquemment, la gouache et l’encre. Watercolor is a translucent medium, which means that it’s usually used with layer overlays, starting with lighter layers and moving towards darker colors. As  darker colors tend to be more opaque than light colors , this process limits errors. Indeed, unlike acrylic and oil paint where light colors can be add over dark shades without difficulty, it’s completely different with watercolor... yes, because it is translucent! So how to get opaque white with watercolor? The most popular option is to preserve the paper’s white by simply avoid applying water on the surfaces that you want to keep white. You can also apply some drawing gum, a liquid that will protect the paper by masking it once dry. There are also other options that I like to use to create little touches of opaque white when I reach the final stages of my paintings. Here are the two products I use most frequently, gouache and ink.

J’aime beaucoup utiliser la gouache et l’encre avec mes aquarelles, car ce sont trois techniques à l’eau, elles se combinent donc très bien. Elles ont également un fini mat et ne créent pas de texture particulière sur le papier, contrairement à l’acrylique blanche. La gouache que j’utilise actuellement pour ajouter des touches de blanc sur mes peintures est de marque Holbein et de teinte «blanc permanent». Elle est très opaque, de qualité professionnelle et à une excellente durabilité. Pour l’utiliser, je mets la quantité d’un petit pois sur une palette de peinture et je l’utilise avec un pinceau et de l’eau, selon le même principe que l’aquarelle. Évidemment, plus je souhaite obtenir d’opacité, moins j’ajoute de l’eau à la gouache. Comme c’est un médium hydrosoluble, si je m’aperçois que j’ai mis trop de gouache sur ma peinture, je peux la retirer en grande proportion avec un pinceau imbibé d’eau. I like to use gouache and ink with watercolor, because they are water techniques and they combine very well. They are also matte and don’t create a particular texture on the paper, unlike white acrylic. The « permanent white » by Holbein is the gouache that I currently use to add touches of white on my paintings. This gouache is very opaque, professional quality and has an excellent durability. To use it, I put the amount of a pea on a plate and I use it with a paintbrush and some water, following the same principles as watercolor. Obviously, the more I want opacity, the less I add water to the gouache. As it is a water-soluble medium, I can remove it simply with a brush soaked in water if I do errors.

Pour réaliser de fins traits blancs ou des petits points, je préfère utiliser mon stylo Gelly roll Classic 08 de la marque Sakura. On en retrouve avec des pointes de différentes grosseurs. J’utilise pour ma part les pointes de 0,4 mm (leur pointe de grosseur moyenne). L’encre de ces stylos est bien opaque et de qualité d’archive, elle est donc très durable. Le fabricant indique qu’une fois sèche, l’encre est résistante à l’eau… pour ma part, j’arrive à l’enlever très simplement avec un pinceau mouillé…! Ce qui me convient très bien, car je peux la retirer facilement en cas d’erreur!  C’est d’ailleurs mon stylo Gelly roll que j’ai employé pour réaliser les moustaches de ce charmant corgi. To make fine white lines or small dots, I prefer to use my Sakura Gelly roll Classic 08 pen. Gelly roll pens are available with different tip sizes. I use the 0.4 mm tip (medium size). Its ink is opaque, archival quality and fade-resistant. The manufacturer indicates that once dry, the ink is waterproof ... but I can remove it very simply with a wet brush ...! Which suits me very well, because I can remove it easily in case of error! I used my gelly roll pen to create de fine white lines on the painting of this lovely guy.

Donc voilà qui complète ce premier article «truc de la semaine»! Dites-moi si ça vous a plu et si vous avez appris quelque chose! Aussi, si vous utilisez d’autres produits pour ajouter du blanc opaque sur vos aquarelles, écrivez-le en commentaire, je suis curieuse de connaître vos trucs! Enfin, si vous avez des suggestions de trucs que vous aimeriez me voir aborder dans les prochains billets, ne vous gênez pas pour me les transmettre en commentaire. So that completes my first "tip of the week" article! Tell me if you liked it and if you learned something! Also, if you use other products to add opaque white to the top of your watercolor paintings, write it in comment, I'm curious! Finally, if you have suggestions for the next blog posts, please tell me!

Bonne journée! Have a good day!

Le papier aquarelle Stonehenge Aqua pressé à chaud, de Legion | The Stonehenge Aqua hotpress watercolor paper by Legion

Aujourd’hui, j’ai envie de continuer à écrire sur les nouveaux papiers aquarelle que j’ai testés dernièrement. Cette fois, je vous partagerai mon avis sur le papier Stonehenge Aqua de la marque Legion. Today, I want to continue to write about the new watercolor papers that I tested recently. This time, I’ll share my opinion on the Stonehenge Aqua paper by Legion.

J’ai eu la chance de recevoir des formats d’essai des papiers aquarelle Stonehenge lors d’un de mes derniers passages chez Deserres. Comme je n’avais jamais utilisé ces papiers auparavant, c’est avec joie que j’ai ramené les échantillons chez moi! I had the chance to receive some samples of Stonehenge watercolor papers during one of my last visit to Deserres. As I had never used these papers before, it is with joy that I brought the samples home!

Plus particulièrement, c’est la version pressée à chaud (hotpress) du papier Stonehenge Aqua que j’ai testée, en épaisseur 275lb. D’ailleurs, je me questionne encore à savoir si je devrais dire «papier aquarelle» ou «carton aquarelle» tellement il est épais! En tout cas, on peut dire que ça change de mon papier habituel à 140 lb. En effet, c’est la première fois que je peignais sur un papier aquarelle aussi épais, près du double de ce que j’ai l’habitude d’utiliser en fait! Le format de l’échantillon que j’ai reçu est d’environ 5x7 pouces. More specifically, it’s the hotpress version of the Stonehenge Aqua paper  that I tested, with a thickness of 275lb. By the way, I still wonder if I should say «watercolor paper» or «watercolor cardboard» because it's so thick! In any case, it is a change from my usual paper of 140 lbs. Indeed, this is the first time I painted on a watercolor «paper» as thick as this one! The sample format that I received is about 5x7 inches.

Ce papier est fait de coton à 100% et il est bien entendu sans acide. Il a une teinte ivoire. Le fabricant dit de ce papier qu’il se prête au masquage et qu’au séchage, les couleurs demeurent vives et les feuilles bien droites. Il est aussi dit que le mélange des couleurs et l’ouverture des blancs se fait sans effort. This paper is 100% cotton and acid free, of course. It has an ivory hue.  The manufacturer says this paper welcomes masking and bright colors dry bright. This paper also dries flat. It’s said that color blending is effortless and lifting is no longer a chore.

Il est aussi écrit sur l’emballage que le papier Stonehenge Aqua a tout d’un papier d’exception, sauf le prix. En effet, en regardant les prix à lesquels sont vendus les papiers  Stonehenge Aqua,  j’ai été surprise de voir que les papiers pressés à chaud et à froid de cette marque sont vendus au même prix plutôt économique. Habituellement, les papiers pressés à chaud sont plus chers que ceux pressés à froid. Cela m’a donné d’autant plus l’espoir de tomber amoureuse de ce papier. It is also written on the packaging that the Stonehenge Aqua is everything an expensive paper is without the expense. Looking at the prices at which the Stonehenge Aqua papers are sold, I was surprised to see that hotpress and coldpress papers of this brand are sold at the same rather economical price. Usually, hotpress papers are more expensive than coldpress ones. This gave me even more hope of falling in love with this paper.

Mon expérience avec ce papier | My experience with this paper.

J’ai choisi de tester ce papier-carton en y peignant des fleurs de lilas ainsi que ma bouteille de parfum Aerin à senteur de lilas. Mon but était de créer une petite animation à partir des aquarelles illustrées. I chose to test this cardboard-paper by painting lilac flowers and my bottle of Aerin lilac perfume. My goal was to create a small GIF with the painting.

Dès le départ, en utilisant du «washi tape» pour fixer le papier à mon chevalet, j’ai été déçue de constater que le papier s’abimait lorsque je retirais le ruban. J’ai donc trouvé que ce papier est peu résistant aux adhésifs, comparativement à la plupart des autres papiers aquarelle que j’utilise. Aussi, lorsque j’ai testé la gomme réserve sur le papier, j’ai été déçue de constater que la papier s’abimait lorsque je la retirais. Using washi tape to fix the paper to my easel, I was disappointed to find that the paper was damaged when I removed the tape. I found this paper doesn’t have a good resistance to adhesives, compared to most other watercolor papers I use. Also, when I tested the masking fluid, I was disappointed to find the paper damaged when I removed it.

Comme points positifs, il est vrai que le papier est demeuré bien droit au séchage et que les couleurs restent vives. Je serais curieuse d’essayer les papiers moins épais de cette marque, tels que ceux de 140lb, afin de vérifier s’ils sont aussi résistants au gondolement. De plus, il m’a semblé que ce papier s’accordait bien avec ma manière de peindre, car je n’ai pas obtenu d’effets indésirables inattendus. En effet, j’adore peindre les petits détails et ce papier permet d’obtenir des lignes très fines et bien nettes. J’ai aussi été en mesure d’ouvrir les blancs assez facilement la plupart du temps, sauf avec quelques couleurs qui ont semblé tacher le papier. On a positive note, it’s true the paper remained flat and the colors stayed bright. I would be curious to try the other papers of this brand, such as those at 140lb, to see if they are as resistant to waving. In addition, it seemed to me this paper works well with my way of painting, because I didn’t get any unexpected side effects. Indeed, I love to paint small details and this paper allows me to paint very fine and sharp lines. I was also able to lift out highlights quite easily most of the time, except with some colors that seemed to stain the paper.

Au final, j’ai bien aimé utiliser le papier aquarelle Stonehenge aqua pressé à chaud de 275 lb. J’ai trouvé fort intéressant et agréable de peindre sur un papier aussi épais. J’aime le rendu des couleurs au séchage et je trouve que ce papier s’accorde bien avec ma technique de peinture très précise et tout en détails. Ce papier semble toutefois peut résistant aux adhésifs (washi tape et gomme réserve). J’ai aussi l’impression qu’il peut être plus facilement taché par certains pigments de peinture en comparaison avec d’autres papiers que j’ai l’habitude d’utiliser. Je pense qu’il s’agit tout de même d’un très bon choix de papier aquarelle pressé à chaud, surtout considérant son aspect économique. In the end, I liked using the Stonehenge aqua hotpress paper. I found it very interesting and pleasant to paint on such thick paper. I like the rendering of colors when they’re dried and the paper fits well with my very detailed and precise painting technique. But, it seems not quite resistant to adhesives (washi tape and masking fluid). I also have the impression it can be easily stained by some colors in comparison with other papers that I’m used to. Nevertheless, I think the Stonehenge aqua hotpress watercolor paper is a good choice of hotpress paper, especially considering its affordable price.

 

 

Voyager en Scandinavie et ramener du bambou | Traveling in Scandinavia and bring back bamboo

Dernièrement, j’ai eu la chance de faire un magnifique voyage de 2 semaines au Danemark et en Suède. Évidemment, je n’ai pas pu m’empêcher d’aller fouiner dans les boutiques de matériel d’artistes! C’est ainsi que je me suis rendue chez Viking 1914 + Creas et chez Stelling, à Copenhague. Déjà, comment résister à un magasin qui s’appelle Viking?!  Et franchement, je n’ai pas été déçue d’y entrer! | Recently, I had the chance to make a wonderful 2 week trip to Denmark and Sweden. Obviously, I could not help but go snooping in the art supply stores! That's how I visited Viking 1914 + Creas and Stelling in Copenhagen. How to resist a store called Viking ?! And frankly, I wasn't disappointed!

Même s’il est reconnu que le coût de la vie est très élevé au Danemark, j’ai été agréablement surprise de constater que le papier aquarelle est beaucoup moins cher là-bas que dans nos boutiques québécoises. Donc, j’en ai profité et j’ai ramené 3 tablettes de papier aquarelle que je n’avais jamais essayé auparavant.  Parmi celles-ci il y a une tablette de marque Hahnemüle dont le papier est fait de fibres de bambou (!!).  J’ai également acheté une tablette de papier pressé à chaud de la collection Harmony de Hahnemüle. Ma troisième tablette est de marque Viking et contient du papier aquarelle pressé à froid. J’ai pensé vous montrer quelques peintures que j’ai réalisées sur ces papiers et vous dire en même temps ce que j’en ai pensé! Aujourd’hui, je vous parle de la tablette dont j’étais le plus excitée d’essayer, celle du papier Bamboo! | Although it is recognized that the cost of living is very high in Denmark, I was pleasantly surprised to find that watercolor paper is much cheaper there than in our Quebec stores. So, I took advantage and I brought back 3 watercolor pads that I had never tried before. Among them there's a Hahnemüle brand pad made with bamboo fiber (!!). I also bought a hot pressed paper pad from the Harmony collection of Hahnemüle. My third pad is Viking brand and contains cold pressed watercolor paper. I thought I would show you some paintings I made on these papers and tell you at the same time what I thought about them! Today, I'm writing about the pad I was most excited to try, the one with bamboo paper!

Le papier pour techniques mixtes Bamboo de Hahnemüle | Bamboo mix media paper from Hahnemüle

 Ce papier fait à 90% de fibres de bambou et 10% de coton  a été conçu pour convenir aux techniques mixtes, plus particulièrement à l’aquarelle, à l’acrylique et au pastel. Je me le suis procuré en format carnet de voyage de 6 x 9,8 pouces. Ce papier est légèrement moins épais que ceux que j’utilise habituellement, il a un poids de 265 g/m2 au lieu de 300 g/m2.  Le papier est d’un doux blanc naturel. | This paper made of 90% bamboo fiber and 10% cotton has been designed to suit mixed media, especially watercolor, acrylic and pastel. I got it in a travel format of 6 x 9.8 inches. This paper is slightly thinner than the ones I usually use, it has a weight of 265 g / m2 instead of 300 g / m2. The paper is of a soft natural white.

Le format «paysage» très long de ce papier est assez inhabituel pour moi. C’est rare que j’utilise des papiers à la forme aussi allongée. D’ailleurs, pour ma première pièce peinte sur cette tablette (le portrait de l’acteur Omar Sy), j’ai finalement coupé une portion du papier sur sa longueur pour améliorer le cadrage du portrait. Je pense que je pourrai retenter d’utiliser la totalité du papier lorsque je voudrai peindre un élément qui est vraiment fait en longueur, comme mon illustration de cuillère à crème glacée. | The very long "landscape" format of this paper is quite unusual for me. It's rare I use papers that long. Moreover, for my first piece painted on this pad (the portrait of the actor Omar Sy), I finally cut a portion of the paper along its length to get a better framing for the portrait. I will use this paper format again when I'll want to paint an item that is much longer than larger, like my ice cream scoop illustration.

Mis à part cela, j’ai vraiment adoré peindre sur ce papier. Je trouve sa texture très jolie et agréable à travailler. Même si le papier est moins épais que ceux dont j’ai l’habitude, je l’ai trouvé très résistant.  Avec mon style de peinture tirant vers le réalisme, je pousse parfois la capacité des papiers aquarelle à l’extrême en les frottant parfois durement avec mes pinceaux et en superposant plusieurs couches d’eau et de peinture. Le papier Bamboo a très bien tenu le coup, il n’a pas vraiment gondolé et il a supporté un grand nombre de corrections. | Aside from that, I really loved painting on this paper. I find its texture very pretty and pleasant to work with. Even though the paper is thinner than the ones I'm used to, I found it very resistant. With my realistic painting style, I sometimes push the capabilities of the watercolor papers to the extreme by rubbing them hard with my paintbrushes and by layering a lot of water and paint. The Bamboo paper held up well, it didn't wrinkle and it supported a lot of corrections.

Pour moi ce fut un coup de cœur, ce papier est parfaitement adapté à ma technique! De plus, le fait que ce papier est vegan, en plus d’être fabriqué en prenant en compte la protection de l’environnement m’a rendue d’autant plus heureuse de l’utiliser! | For me it was a nice discovery, this paper is perfectly adapted to my painting technique! Also, the fact this paper is vegan and is produced with taking into account the protection of the environment made me even more happy to use it!

Ode aux portraits | Ode to portraits

Dernièrement, j’ai peint le portrait d’une femme à l’aquarelle. Ça faisait si longtemps que je n’avais pas peint un portrait, habituellement, je dessine des portraits, je ne les peins pas. Et, pendant la création, je me suis demandé… pourquoi?! Pourquoi n’ai-je pas tendance à utiliser l’aquarelle, mon médium préféré de surcroit (!!!), quand je réalise des portraits? Je n’ai pas trouvé de réponse claire à cette question… ce que je sais par contre, c’est que j’ai vraiment adoré l’expérience.  Et ça m’a vraiment donné l’envie d’en faire d’autres, des portraits à l’aquarelle! Ce portrait dont je vous parle, c’est celui de Jane Goodall,  une femme d’exception. Pour renouer avec les portraits à l’aquarelle, je suis heureuse d’avoir choisi cette femme avec une grande expérience de la vie. Je trouve que trop souvent, les portraits de femmes qui apparaissent dans mon flux Instagram représentent des jeunes femmes sans «imperfections», dotées d’une peau bien lisse et claire. Je trouve que les plis, les rides, les bourrelets, les différentes textures sont tellement plus intéressants (et complexes!) à étudier, à observer et à dessiner, qu’un corps bien lisse, symétrique et uniforme. Je me rappelle que dans mes cours de dessin, au cégep et à l’université, j’ai toujours préféré dessiner les corps qui ne correspondent pas aux canons de beauté bien lisses des magazines. Jane Goodall a 84 ans et c’est une femme magnifique. J’ai adoré peindre son visage. Je conseillerais à toutes personnes complexées par ses «défauts», enfin, ses traits qui sont perçus comme étant des défauts, de dessiner ou de peindre des portraits. Je me suis surprise à trouver une grande beauté dans les rides, les différents tons de peau et les taches… dans le fond, toutes des particularités qui font en sorte que chaque visage est unique. Et pour moi, qui redoute de vieillir, ce fut un exercice très thérapeutique. À répéter sans modération.

Je vous laisse avec quelques images du portrait et de son «making of».

Bonne journée!

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Recently, I painted a woman portrait in watercolor ... It's been a while since I have painted a portrait, usually I draw portraits, I don’t paint them. And, during the creation, I wondered ... why?! Why don’t I use watercolor, my favorite medium (!!!), when I create portraits? I didn’t find a clear answer to this question ... what I know for sure, is that I really loved the experience. And it made me want to paint more watercolor portraits! The portrait I'm talking about is the one of Jane Goodall, an exceptional woman. To reconnect with watercolor portraits, I am happy to have chosen this woman with a great experience of life. I find that a lot of women portraits that appear in my Instagram feed represent young women with no "blemishes", with a smooth and clear skin. I find that body with curves, lines and wrinkles, are much more interesting (and complex!) to study, to observe and to draw, than a perfectly smooth, symmetrical and uniform body. I remember that in my drawing classes, at college and university, I always preferred to draw bodies that don’t correspond to the beauty cannons of magazines. Jane Goodall is 84 and she is beautiful. I loved painting her face. I would advise all those who have complexes to draw/ paint portraits and figures. While I was painting, I found a great beauty in wrinkles, different skin tones and spots ... these features that make each face unique. And for me, who is afraid of growing old, it was a very therapeutic exercise. To repeat without moderation.

Here are some pictures of the portrait and its "making of".

Have a good day!

Cours de dessin | Drawing classes

Depuis le début de l’année 2018, j’enseigne des cours de dessin d’observation aux adultes chez Loisirs Lebourgneuf. Je donne aussi des ateliers créatifs de peinture et de dessin pour tous les groupes d’âges.

Dans les cours, je montre principalement les bases fondamentales du dessin d’observation, afin que les apprenants puissent gagner en autonomie et que leur créativité soit moins limitée par un manque de confiance envers leurs aptitudes en dessin. Ce que j’aime le plus dans le fait de donner ces cours et ces ateliers, c’est de voir la satisfaction dans le visage des participants lorsqu’ils créent une œuvre dont ils ne se seraient jamais crus capables de faire.

Donner des cours fait aussi le pont avec les aspects que j’aimais de mon ancien travail d’orthophoniste. Transmettre des connaissances, des conseils et des trucs, mais cette fois-ci en lien avec ma passion pour les arts visuels, c’est le meilleur des deux mondes!  Ça me permet aussi de faire de belles rencontres, car même si j’ai la chance d’avoir mon mari comme collègue de travail dans mon bureau (et aussi parfois Guimauve, notre lapin, quand il vient nous faire un coucou!) , il demeure que le travail d’illustratrice est somme toute très solitaire!

Voici quelques photos de la jolie classe très bien fenêtrée dans laquelle je donne la plupart de mes cours cet hiver.

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Since the beginning of year 2018, I have been teaching drawing classes at Loisirs Lebourgneuf (a leisure center in Quebec City). I also give creative painting and drawing workshops for groups of all ages.

During the classes, I mainly show the fundamentals of observation drawing, so that learners can gain autonomy and their creativity is less limited by a lack of confidence in their drawing skills. What I like most about giving these classes and workshops is to see the satisfaction in the face of the participants when they create an artwork they never thought they could do.

Giving these classes also bridges the aspects I loved from my former work as a speech-language pathologist. Transmitting knowledge, tips, and tricks, but this time in relation to my passion for visual arts is the best of both worlds! It also allows me to meet nice people because even if I have the chance to have my husband as a co-worker in my office, it remains that the quotidian work of an illustrator is very solitary!

Here are pictures of the beautiful class (with a lot of windows!!) in which I give most of my classes this winter.

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Finalement, une boutique Etsy | Finally, an Etsy shop

Ça y est!

Depuis le 22 novembre, j’ai commencé à vendre des produits faits à partir de mes illustrations sur ma boutique Etsy! Pour le moment, on peut y trouver des cartes de Noël, des autocollants, des peintures originales, des affiches (art prints) ainsi que des portraits d’animaux domestiques personnalisés. J’ai eu la chance de faire quelques ventes déjà et j’en suis très heureuse! J’aime beaucoup préparer les commandes et les emballer avec soins avec du ruban washi trop joli!

Je tente d’ajouter de nouveaux produits à la boutique régulièrement, notamment des affiches à propos de sujets variés. De nouvelles cartes de souhaits feront aussi leur apparition après le temps des fêtes! Voici quelques-uns de mes produits préférés! Vous pouvez cliquer sur les images pour vous rendre sur la boutique!

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Since November 22, I started selling products made from my artworks on my Etsy shop! At the moment, there are Christmas cards, stickers, original paintings, archival art prints and custom pet portraits. I'm very happy I had the chance to have some sales already! I really like to prepare orders and pack them carefully with colorful washi tape!
I try to add new products in the shop regularly, including art prints about various subjects. Also, I will offer new greeting cards after the holidays! Here are some of my favorite products! You can click on the images to go to the shop!

Mes illustrations sur des vêtements!

Cette semaine, j’ai eu un gros boost d’énergie lorsque j’ai vu pour la première fois mes illustrations sur des vêtements! Wow! Et j’ai trouvé le résultat fini trop joli!

Au printemps passé, j’ai créé un motif exclusif pour la compagnie québécoise Bajoue, qui conçoit des vêtements et des accessoires pour enfant. Le motif, sur lequel figurent des montgolfières et des oiseaux s’envolant côte à côte, a été composé à partir d’une illustration que j’ai peinte à l’encre et à l’aquarelle.

Cette illustration fera donc partie de leur collection automne/hiver cette année! Il est possible de retrouver les jolis produits sur lesquels on retrouve mon coup de pinceau juste ici : http://www.bajoue.site/shop/.

À la boulangerie

J’aime les viennoiseries. En fait, c’est faux… La vérité, c’est que J’ADOOOOOOORE les viennoiseries! Je suis une fidèle cliente de boulangeries, car je n’ai pas la patience ni le talent pour les faire moi-même!

Ce que je peux faire moi-même par contre, c’est les illustrer! J’en ai peint quelques-unes la semaine passée, durant mes projets personnels. J’ai pensé qu’ensemble elles pourraient faire un superbe motif pour des nappes, des serviettes de table, des tabliers, des napperons… Et pendant que j’écris ça, je me dis que ça pourrait aussi faire un t-shirt génial… Enfin, selon mes goûts à moi!

Cette semaine j’ai donc créé un motif avec mes viennoiseries et je l’ai déposé en ligne, sur ma boutique Spoonflower. Le motif sera disponible pour la vente sous peu! En attendant, j’ai commandé deux yards de lin pour faire des serviettes de table, que je pourrai trimballer avec moi au resto au lieu d’utiliser les serviettes de papier jetables du commerce (objectif de diminution des déchets!).

Et bon, pendant qu’on y est, je trouvais que ça pourrait faire de beaux fonds d’écran! Je les partage ici. Vous pouvez les télécharger pour votre ordinateur ou votre téléphone. Pour les amateurs de biscuits, en voici un deuxième pour le téléphone! En espérant qu’ils ne créeront pas trop de rages de sucre!